Iván Ricardo Camargo Puyo – «Aves de Boyacá, entre la fábula y la bio-diversidad»

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Iván Ricardo Camargo Puyo
(1978. Actualmente vive en Güicán)

Es licenciado en Artes Plásticas y docente en la población de Güicán de la Sierra. Actualmente conduce un proceso con pintura y la fotografía sobre la biodiversidad en la región. Desarrolla una investigación a partir de la observación e ilustración de aves de Boyacá, como estrategia para conocer de la diversidad natural de la región por parte de la población Güicán y otros municipios. En su investigación, al estar cercano a un parque natural de los nevados de Güican, Cocuy y Chita, combina la paisajística y estética de la región.

 

«Aves de Boyacá, entre la fábula y la bio-diversidad»

Dentro de este proyecto realizo una observación de aves en distintas zonas del departamento con el fin de fotografiar la mayor cantidad de especies de la región. Luego de una selección fotográfica y caracterización para reconocer las especies más carismáticas y representativas, elaboro una acuarela a forma de ilustración de un bosque andino en buen estado de conservación donde se ilustran en diferentes tamaños las aves existentes en esta zona del país. La actividad consiste en que a partir de una serie de pistas la persona que observa la ilustración pueda encontrar diez especies de aves propias de la región ubicándolos con la ayuda de una lupa dentro de este bosque dibujado.

Isabella Sánchez – «Botiquín de emergencia»

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Isabella Sánchez P.
(1995. Actualmente vive en Bogotá)

Es artista visual egresada de la Pontificia Universidad Javeriana. Tiene énfasis audiovisual pero usualmente se enfoca en la investigación, el dibujo y el performance. Actualmente trabaja en colaboración con los departamentos de morfología y entomología de la Universidad Javeriana.

 

«Botiquín de emergencia»

El botiquín de emergencia es un objeto que contiene y transporta una pequeña unidad de “cuidado intensivo”. Es un guante hecho con vendas cuyo fin es sostener, proteger, cuidar, envolver y mediar dos manos que se agarran (para hacer uso del guante es necesaria la participación de dos personas). En mi familia materna se cuida a dos personas ancianas: la primera persona es mi abuela y la segunda es su hermana. Aunque cada una vive en diferentes espacios y condiciones, se debe tener un cuidado intensivo similar debido a sus limitaciones físicas y mentales. Al ser testigo y participante de esta situación familiar, mi apuesta con este objeto es hacer visible el “cuidado intensivo” que las personas ancianas con necesidades médicas requieren. El cuidado no es solo a partes anatómicas y sus respectivas funciones, sino también a la parte emocional y personal.

Hernán Alfonso – «¿Cómo escoger carne?»

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Hernán Alfonso
(1993. Actualmente vive en México)

Es artista y docente. Maestro en Artes Plásticas de la Universidad Nacional de Colombia. Actualmente reside en México y es profesor tallerista en Du, escuela de Artes en la CDMX. Ha desarrollado su carrera alrededor de la imagen bidimensional, la pintura, la fotografía, el grabado y el dibujo sin dejar a un lado medios de expresión contemporáneos transversales a su trabajo como la instalación o el video. Su obra gira en torno al interés por el papel del espectador como habitante-observador de una realidad cotidiana llena de gestos sutiles, particulares e ignorados por la costumbre, sobretodo en las grandes ciudades. Ha participado en varias exposiciones colectivas en ciudades como Ibagué, Ciudad de México y Bogotá; en esta última, recientemente en la Galería 12:00 a principios de 2018, expuso su primera exposición individual titulada “Exteriores públicos”.

 

«¿Cómo escoger carne?»

Cuando se me preguntó “¿qué sabe sumercé, un artista, que no sea precisamente lo que se supone que sabe de su campo o su obra?”, fue un golpe intempestivo que me remitió a un alter ego, que no es creador por profesión, sino un ser que ha sorteado cualquier hecho, por muy banal, para aprender y sobrevivir. Así pues, la idea de un visor que permite escoger carne de res surge de vivencias de mi adolescencia cuando, por avatares del tiempo, mi padre terminó comerciando con ganado. En ese entonces mis vacaciones escolares estaban impregnadas por el olor de las reses pesadas, medidas y tasadas bajo el sol inclemente de pueblos cundinamarqueses -como Chaguaní- olvidados en las montañas cercanas al río Magdalena. Cuando regresaba a Bogotá notaba que además del cambio en la vegetación y el clima frío también cambiaban las vacas; pasaban de ser los pesados Cebúes a las vaquitas lecheras que parecen salidas de postales de Suiza. Entonces la pregunta ¿Cómo escoger carne? surgió como una oportunidad para –a través de esas reminiscencias– hacer un instrumento que además de ser útil para escoger la carne, sea a la vez una pieza de posicionamiento geográfico. Un dispositivo que permite a quien usa el visor, no solo ver el nivel de frescura de una pieza de carne o la alimentación del animal de donde salió, sino que además permite ver qué tipo de raza de bovino habita a la altitud del territorio permitiendo ubicarlo de manera tal que reconoce y se apropia de su propio territorio.

Guillermo Londoño Durana – «Oro o agua»

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Guillermo Londoño Durana
(1962. Actualmente vive en Bogotá)

Es pintor y escultor graduado de la Universidad de Berkeley California (BFA, 1987). Ha realizado múltiples exposiciones individuales y colectivas en Colombia, Venezuela, Alemania, España, Ecuador, Estados Unidos, y Japón, entre otros. Ha participado en varios Salones Nacionales y Ferias Internacionales. Su obra se encuentra en la Colección Banco de la República, Museo de Arte Moderno de Bogotá, Colección Davivienda y otras.

 

«Oro o agua»

Oro o Agua es una reflexión sobre la problemática de la la minería. Oro como moneda, versus agua como vida; valores contemporáneos en los que desarrollo y bienestar económico se contraponen a destruction y afectación al medio ambiente. Es un planteamiento de valores y de ética, donde la pregunta que se plantea es ¿qué vale más? Todos sabemos que el hombre y las especies del planeta no sobrevivimos sin el precioso líquido, sin embargo, si ponemos estos dos valores físicamente juntos, en una caja que recorra el territorio Colombiano, las posibilidades de que el oro sea sustraído y robado, son muy altas. Por esto, desde el principio no se incluirá el oro, pero se dejará la sensación de que fue sustraído de la caja y desaparecido, dejando solo el agua. Con este acto, se crea un vacío, y un estado de reflexión y conciencia; una dicotomía de valores. Como en una balanza, se mide que tiene más valor en el mundo real, se lastima la conciencia individual y se invita a la reflexión. En nuestra sociedad, en nuestra cultura, el oro prevalece sobre todas las cosas, sobre todos los valores, incluyendo el líquido vital para vivir que es el agua.

Gabriela De Castro – «Ladrillo-Caja»

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Gabriela De Castro

(1992. Actualmente vive en Bogotá) Es maestra en Artes Visuales con énfasis en expresión plástica de la Pontificia Universidad Javeriana. En la actualidad se encuentra trabajando como artista, mediadora, escritora e investigadora. Sus intereses y procesos están relacionados con el espacio y cómo este ha sido construido socialmente, generando diferentes imaginarios basados en documentación, archivo y exploraciones matéricas. Ha participado en exposiciones colectivas como “La Pedrada” (Beca Programación de Artes Plásticas en Bogotá Red Galería Santa Fe de IDARTES y el colectivo La Examinadora, 2018) y “Habitar y Resistir” (Pontificia Universidad Javeriana, Facultad de Artes, Semillero de creación e investigación Especies de Espacios, 2017). Entre sus publicaciones se encuentran Verde: el color de la catástrofe, de la editorial Pontificia Universidad Javeriana, donde colaboró con un ensayo acerca de su investigación “Primera Piedra”.

 

«Ladrillo-Caja»

El objeto ladrillo-caja se creó a partir de un proceso en el cual la pregunta por el habitar y nuestra relación con lo que nos rodea, se ven reflejados en la construcción de espacios. Más allá de tratarse de un manual que poco a poco reflexiona sobre la elaboración en tierra de ladrillos, es un objeto-manual que pretende generar preguntas sobre el habitar. El objeto que es una caja de cartón rectangular alude a la forma del ladrillo, en la cual los dos objetos, ladrillo y caja, logran ser contenedores de materia. Dentro de la caja se hayan diferentes elementos como un manual de instrucciones que a partir del acto de hacer un ladrillo va generando diferentes intuiciones en el proceso de creación, incluye, además, una paleta de colores de las diferentes tierras aptas para la construcción de ladrillos y unos pequeños ladrillos de tierra, para lograr reconocer el material. El ladrillo como símbolo de construcción, es un objeto que dentro de su proceso de elaboración, logra crear espacios de diálogo con el material, con el tiempo que toma fabricarlo, y con el reconocimiento del territorio y el lugar en el que nos encontramos. El resultado no debe verse reflejado en el objeto del ladrillo y tampoco debe ser el fin de este ladrillo-caja, es tan solo un intento de reflexión del proceso en sí mismo, que quiere crear un experiencia a partir del territorio y de reconocimiento a nosotros mismos como seres que habitan el mundo.

Felipe Patarroyo – «Kit para perderse»

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Felipe Patarroyo
(1994. Actualmente vive en Bogotá )

Es artista plástico. Su interés principal es cruzar medios en los que puedan ponerse en evidencia conceptos como la gravedad, el vacío y el juego. Trabaja con estructuras existentes en los territorios que habita, haciendo referencia a la arquitectura y la vida cotidiana. Concibe lo común como un lugar virtual, que se puede dilatar o contraer mediante un acto de creación nómada, de habitación temporal. Parte de las obras en las que trabaja actualmente revelan un interés por el dibujo expandido y la forma en que el dibujo permuta con un espacio, ya sea de forma directa o de forma referencial, apropiándose de lenguajes escultóricos y arquitectónicos para la consolidación de imágenes.

 

«Kit para perderse»

Este proyecto se crea para pensar una posibilidad en la que jugando se desbaraten las nociones aprendidas de los espacios cotidianos y su resonancia en la memoria de las personas. El juego está pensado como una libreta de viaje, que permite usar la imaginación y el azar para reconocer un sinnúmero de posibilidades de aquello que rodea a cualquier persona, por medio del dibujo, la escritura y esculturas rápidas. El kit para perderse es una herramienta para hacerle trampa a la memoria; una libreta de viajes que permite desbaratar las nociones aprendidas de los espacios cotidianos y su resonancia en el diario vivir. Funciona como un dispositivo que revela con la observación y la imaginación todo aquello que se esconde detrás de la apariencia de los espacios que habitamos.

Felipe Bonilla – «0314900318»

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Felipe Bonilla
(1987. Actualmente vive en Bogotá)

Es maestro en artes plásticas de la Universidad Nacional de Colombia. Está particularmente interesado en el desarrollo de proyectos de investigación/creación en sitios específicos, los cuales se han llevado a cabo a nivel nacional en lugares como: Pereira, Manizales, Medellín, Valledupar, Bucaramanga y La Guajira, y a nivel internacional en países como Uruguay y Venezuela. Actualmente trabaja entre Colombia y Venezuela. Esta experiencia ha desencadenado Cuerpo/medio/poder: una selección de video arte y videoperformance. Este es un archivo en construcción de manifestaciones artísticas contemporáneas que en un momento de coyuntura como el actual, responden desde el cuerpo a una serie de poderes que debido a su violencia han contribuido a una historia llena de desplazamientos forzados y tensiones sociopolíticas entre ambos países.

 

«0314900318»

Al vincularme a este proyecto formulé, como primer paso, una inquietud: ¿cómo jugar con factores como la distancia y el tiempo, asuntos considerables, dentro de un proyecto que se mueve por un territorio? El paso siguiente fue pensar la manera en la cual podría yo operar desde la intención inicial de los salones regionales y las dinámicas propuestas por el equipo curatorial, ¿cómo entrar a una caja sin i ocupar más espacio del necesario y al salir tener la capacidad de desplegarme y construir sin imponer? El proyecto propuesto es una línea telefónica que se despliega y se convierte en un menú, en una serie de opciones que se activan desde la voluntad de un público que se vuelve participante al incluirse, comunicarse y abordar dicha línea desde una experiencia propia y cercana. Si la razón de ser del salón regional es la participación y la descentralización entonces yo le apuesto a un proyecto que tenga su razón de ser en la particularidad del habla y de la escucha, y que le de un espacio de potenciales constructores a sus participantes desde la interpretación y la malinterpretación por igual.